Em geral sempre tem muita coisa boa para se ver no MoMA, mas são raras as oportunidades de termos um brasileiro mostrando seu trabalho nesse espaço tão cobiçado. Pois agora temos o carioca Ernesto Neto com uma de suas instalações de formas orgânicas com especiarias aromáticas despertando nossos sentidos.

Ernesto desde o final da década de 90 procura em seu trabalho fazer a referência entre o corpo humano e espaços arquitetônicos criando peças de tecido transparente e flexível com estruturas que podem ser penetradas pelo público, como é o caso de Navedenga. O nome dessa composição se refere às naves que empregavam as notórias viagens em busca de especiarias, e na qual há também explícita referência ao corpo humano.

A peça tem um forte caráter sensual reforçando a característica imagem com a qual a maioria dos americanos nos reconhecem.

A instalação terminará no dia 5 de abril.

São somente seis pinturas de Claude Monet na nova exibição no MoMA (Museum of Modern Art) que começou ontem – mas vou te contar – essas seis falam mais alto do que muito trabalho de artista contemporâneo por aí!

As fotos acima mostram Monet em seu estúdio, ao lado de seu famoso quadro Water Lilies (Nenúfares) e seu tão amado jardim em Giverny.

Monet mudou-se para Giverny com sua família em 1883 onde ele viveu até morrer em 1926. E foi em contemplação no meio de seu jardim encantado de onde saíram suas obras primas – os lírios, ou nenúfares,  pairando sobre a superfície da água num mesclado de cores incríveis. Se você chegar perto da sua grande obra prima, Water Lilies, a tela de um pouco mais de doze metros, dá para perceber que Monet trabalhou extensivamente nesse quadro – suas camadas são grossas, mas o efeito é quase etéreo. Parece até uma aquarela devido a sua leveza. Monet nos coloca dentro da tela e assim rompe a barreira imposta previamente entre o artista e a audiência. Dá até a impressão de estarmos ali com ele dentro de seu jardim. Ele construiu um estúdio exclusivamente para poder colocar essa tela.

Na época que Monet mudou para Giverny ele já estava com uma reputação bem solida como pintor impressionista. Com os seus enormes quadros com os lírios, sua celebridade ficou ofuscada com boatos de que sua representação do jardim estava  desordenada e suas pinceladas não pasavam de borrões. Isso dizeram, era devido a sua idade avançada e seu problema de vista o impedia de enxergar bem. De forma nenhuma os rumores afetaram sua produtividade. Monet continuou seu trabalho imbatível e com um vigor inigualável.  

Para manter seu jardim, Monet colocou grande parte de sua fortuna em sua conservação. Empregou seis jardineiros que trabalhavam na manutenção das plantas período integral. Nessa ocasião ele também estava muito interessado em temas japoneses e contratou alguém do país para implementar detalhes orientais como a ponte e algumas flores do Japão.

Foi somente em 1950 que suas obras feitas em Giverny obtiveram um pouco de atenção quando diretor do MoMA, Alfred H. Barr, Jr. comprou seu maior quadro – Water Lilies — por somente $11, 500. Inacreditável!

Mais um exemplo, de que o negócio é fazermos aquilo que gostamos mesmo se o resto do mundo não gostar ou achar que estamos perdendo tempo, não é mesmo gente?

A exposição vai até dia 12 de abril de 2010.

American Folk Art Museum – outra jóia esquecida no meio da cidade, numa cultura que parece submersa num engrandecimento de quanto maior, melhor!  O que é a proposta contrária do American Folk Art Museum, que promove artistas americanos que são autodidatas e sua arte tem um estilo folclórico.

O museu fica do lado do MoMA na 53th Street e tem somente 25 metros de altura. Possui seis níveis intercalados de galerias com aproximadamente 2,800 metros quadrados, e foi projetado pelo casal de arquitetos Tod Williams & Billie Tsien.

A superfície na elevação principal dá um efeito ilusório, e é o resultado de um protótipo manual e consistente com a abordagem do museu que promove artistas que fazem artesanato. Para os três painéis na fachada foi utilizado um bronze branco moldado, nunca antes usado em arquitetura chamado Tombasil. O processo manual do bronze criou sulcos nos murais posicionados em ângulo, adicionando uma camada de detalhe à fachada.

Característica marcante dos projetos do casal Tod e Billie, é o constante trabalho de pesquisa procurando uma re-interpretação de materiais, fato não freqüentemente empregado em arquitetura. Isso é integral a todos seus projetos e o que distingue essa firma do resto dos escritórios de arquitetura nos EUA.

Como as galerias são empilhadas verticalmente, o museu é uma “rica experiência de circulação” de acordo com Billie. A intenção dos arquitetos era de criar espaços internos que são descobertos pausadamente – não numa leitura linear. No meio da escada que cobre os seis andares de galerias uma enorme clarabóia traz luz para o espaço interno.

O espaço interno foi muito bem pensado, e o lugar para todos os objetos expostos parecem ter sido arranjado para cada um individualmente. Na realidade, eu não duvido de que o casal tenha feito isso devido a diversidade de tamanhos das peças e da importância de sua colocação.

O artista chinês Song Dong conjuntamente com sua mãe, está apresentando uma exibição interessantíssima no MoMA. Eu detesto essa palavra – interessante – pois é o tipo da palavra que não diz nada. Mas para esse caso, é realmente o que essa mostra é – interessante. Aliás, usei o superlativo: interessantíssima. O que mais dizer?

A mãe de Song, Zhao Xiangyuan, passou uma vida acumulando tudo que comprava ou ganhava, e não conseguia se desvincular desses objetos. Então o artista resolveu fazer um projeto em colaboração com Zhao, usando o conteúdo completo da casa onde guardou tudo por mais de cinqüenta anos. Essa obsessão de conservar tudo e de não jogar nada fora, está  baseado no conceito chinês de yong  qi   jin  wu, ou “desperdício não,”  o que era uma forma de sobreviver na época da revolução chinesa. Os materiais montados variam de potes e bacias a cobertores, frascos de vidro, e bonecas sem pernas, formando como que uma paisagem urbana que observadores podem navegar à sua volta.

Nessa época que vivemos onde tudo é descartável, a idéia de passar uma vida acumulando coisas, é quase que incompreensível.

Song em seu trabalho que varia desde vídeos, filmes até esculturas, tenta explorar noções de transitoriedade e impermanência. A exposição foi colocada no 2º. andar do museu ocupando o grande espaço central que foi tão criticado na abertura do MoMA há vários anos atrás. Na realidade, o local selecionado foi uma excelente escolha para esse projeto. A leitura do projeto pode ser feita de forma linear e temos uma visão ampla de todos os objetos sob vários pontos de vista – desde o 6º. andar.