Após uma extensa renovação que custou 35 milhões de dólares, o El Museo Del Barrio abriu as portas no mês passado para celebrar seu quadragésimo aniversário. Criado por um porto-riquenho que queria um lugar para mostrar peças de arte de seu país, o museu hoje é um importante marco cultural para a arte latino americana.

O diretor do museu disse que há dez anos atrás, eles estavam recebendo uma média de 20,000 visitantes por ano. No ano passado, tiveram mais de 120, 000 pessoas, e ele prevê que esse número certamente duplicará no ano que vem.

A renovação aumentou as salas de exibição e marcou um ponto de entrada para o prédio com uma fachada de vidro combinando com tiras de madeira de ipê. Os arquitetos também deram um toque bem colorido com alguns ambientes dentro do museu. Cor de laranja para a livraria e a cafeteria e portas verde-limão para o auditório!

Essa visita me fez pensar que talvez esteja na hora de termos um lugar para patrocinar nossa arte brasileira. Poderia ser uma combinação de música, arte, teatro, arquitetura (é claro) e tudo que é relacionado com arte. Sem dúvida, de que como o El Museo diz que o museu é para arte da América Latina. Sabemos, sem pretensões elitistas, de que nosso passado histórico é bem diferente do resto do continente e por essa razão nosso legado tem um diferente “sabor.”

Já imaginou que ótimo um lugar para mantermos um acervo de nossa arte? Um elo para os brasileiros vivendo fora e para os americanos entenderem um pouco mais de nossa cultura. E então — o que vocês acham? Se alguém estiver lendo esse blog, por favor, me dê sua opinião, tá bom?

Se você estiver por aqui esse fim de semana vá até o Central Park. Está lindo! E essa beleza passa rápido – bate uma chuvinha e as folhas caem todas.

O youtube foi feito na sexta-feira passada dia 29.

Numa rápida visita ao Chelsea outro dia, vi os vídeos de Bill Viola: Bodies of Light, na James Cohan Gallery.

Eu creio que Bill seja um dos primeiros artistas a trabalhar com vídeo desde o começo de 1970. O tema que ele abrange é sempre relacionado a aspectos emocionais em geral com temas vinculados a um profundo questionamento sobre o significado da vida.

O vídeo mais significativo da mostra para mim foi um onde um casal passa lentamente por um jato de água se aproximando do observador e daí dá a volta e caminham no sentido oposto nos dando as costas. Bill disse numa entrevista que está procurando a revelação daqueles momentos onde passamos por transformações incríveis do Eu maior, e uma “nova luz nos acorda.” Essa é sua intenção nesse vídeo – o casal passa pelo limiar do jato de água para depois voltar – onde a vida e a morte se entremeiam. Seu trabalho revela essa tênue linha entre o finito e o infinito num vai e vem sem fim.

Gostei muito – não percam!

Até dia 19 de dezembro.

Se você estiver interessada (o) em assuntos de espaço e Big Bang e coisa e tal, então você tem que ir ao Rose Center for Earth and Space. O Rose Center está ligado ao American Museum of Natural History, que têem em seu excelente acervo uma coleção de animais pré-históricos – ótima pedida para a criançada.

Mas mesmo se você estiver sans-filhote tem muita coisa para se ver no Rose Center especialmente se você for como eu e ficar fascinado por esse mundo das estrelas. Tem um filme no planetário chamado Journey to the Stars (Jornada das Estrelas), que conta a história da formação do planeta desde of começo –muito legal! E toda primeira sexta feira do mês tem festa regada a DJ sob um céu de estrelas e planetas  — simplesmente magnífico.

O Rose Center foi inaugurado em 2000 e é projeto da firma de arquitetura James Polshek. O museu ficou famoso por seu icônico cubo de vidro que foi colocado para encapsular o enorme planetário de 27 metros de diâmetro chamado  Hayden Planetarium.  De  noite com sua iluminação o Center fica parecendo mesmo d’otro mundo!

Logo após sua abertura o projeto foi muitas vezes criticado, pois parece uma cópia do famoso cenotáfio do arquiteto Francês Étienne-Louis Boullée com seu monumento a Isaac Newton chamado Cénotaph a Newton ( 1784).

A rampa que foi filmada no youtube é a trajetória que mostra os marcos históricos do universo começando pelo Big Bang até hoje.

Uma visita ao Rose Center não é só extremamente informativa, mas também um divertimento para um dia de chuva, ou sol.

Um espaço para celebrar a influência chinesa em Nova York acabou de abrir entre Chinatown e Soho — MOCA- Museum of Chinese in America. Um museu não muito grande onde havia uma antiga fábrica de maquinários e renovado por minha arquiteta favorita: Maya Lin.

No espaço principal de exibição, a arquiteta, deixou as paredes com o tijolo existente exposto o que deu um charme ao lugar.  Daí ela criou um pátio central, em lembrança as tradicionais casas chinesas, e colocou uma escada para ligar o andar de baixo onde ficam os escritórios e salas de aulas.

Visualmente, Maya, conectou os vários espaços com aberturas que funcionam também como telas para projeção de fotos contando a história dos imigrantes. As salas são em geral pequenas e o museu tem um ar aconchegante – estranho usar essa palavra para um museu, mas é a verdade.  

A frente do museu dá para Centre Street e os fundos dá para a Lafayette Street e ambas as fachadas são simples e muito bem concebidas. E a entrada é de graça se você for na 5ª. feira.

Durante minha visita, aprendi alguns fatos interessantes sobre a imigração chinesa aos EUA, em particular como sofreram com o racismo. Comecei a pensar que talvez fosse interessante ter um centro para apresentar aos americanos às artes visuais do Brasil. Que tal um “Centro de Cultura” para as artes visuais brasileiras? Temos tanta gente criativa em nosso país, não?

Não muito longe de Nova York, tem um museu de arte contemporânea muito legal chamado Dia: Beacon. Fica nas margens to Hudson River e, portanto a viagem de trem até lá é muito agradável. Ainda mais nessa época do ano quando as árvores estão mudando de cor – um espetáculo visual.

O prédio foi construído em 1929 para ser uma fábrica de impressão e foi renovado em 2003, e com seus 24.000 metros quadrados oferece um espaço ideal para as enormes instalações de artistas como Sol LeWitt, James Turrell e Richard Serra.

O museu inteiro é assim – -bem iluminado com luz natural e amplo!

E um lugar perfeito para as instalações de James Turrell.

Ou as esculturas imensas de Richard Serra.

Roxy Paine, um artista americano, criou uma escultura de 40 metros de comprimento por 14 metros de altura, feita com 10.000 pedaços de aço inoxidável e que pesa mais de sete toneladas. O nome da peça é Maelstrom (Turbilhão), e está no teto do Metropolitan Museum of Art. Um crítico de arte se referiu a Paine como o rei de Midas com o toque mágico – só que com aço inoxidável em vez de ouro!

Maelstrom (2009) é maior e o mais ambicioso trabalho do artista até hoje. Para essa escultura, Paine disse que baseou-se no sistema de rede dos vasos sanguíneos, e tubos de encanamento industrial. Na realidade, a escultura parece uma árvore que foi derrubada num dia de uma grande tempestade.  Chegando mais perto de Maelstrom, vocè verá que o escultor deixou as juntas soldadas do conjunto inacabadas, o que realça de certo forma a tensão entre o aspecto natural e artificial do mundo em que vivemos — um toque muito interessante.

A escultura colocada tem como fundo o Central Park e seu cenário arquitetônico, o que faz a instalação interagir com o meio ambiente de uma forma que não consigo imaginá-la em nenhum outro contexto.

O que “salva”, ou melhor, o que ajuda muito essa escultura é sem dúvida a paisagem do parque com os prédios de Nova York. Um final de tarde com o por de sol então, é a pedida certa para ver essa instalação. No dia que estive lá, um gavião ignorando a multidão, pousou num dos troncos da árvore de aço – foi um show total.

Outra coisa – cuidado para não tropeçar e cair no meio dos “galhos.”

Até dia 25 de outubro.

Saindo um pouco do tradicional blog sobre arte e arquitetura, aqui vai uma dica para os amantes da música. Se você estiver por volta da Park Avenue com a 51th Street na quarta feira às 13:15 não perca o concerto que tem na igreja de St. Bartholomew Church.

Não se esqueça: toda 4ª. feira às 13h15min. e com um repertório bastante variado. Semana passada um cravista italiano tocou o instrumento medieval cravo, ou também conhecido como Cembalo, Clavicenbalo (italiano), Harpsichord (inglês), e Clavecin (francês).

Muito lindo — a igreja e a música juntos dão um tom mágico à sua visita. E quando sair do concerto tem um restaurante muito gostoso do lado da igreja.

Com mais de 130 obras expostas no Whitney Museum of Art, Georgia O’Keeffe, é a maior sensação do momento, conjuntamente com o Metropolitan Museum of Art e a exposição de Vermeer (se quiser dê uma olhada no blog de 10 de outubro).  Muitos criticam seu trabalho como kitsch e comercial, parecendo decoração para papel de parede. No entanto, outros como a curadora do museu acha que essencialmente, O’Keeffe, foi uma artista abstrata. E é essa a ênfase da exibição. A maioria dos trabalhos na mostra são os abstratos que por muito tempo caracterizaram a arte de O’Keeffe. O que é surpresa para muitos, pois a opinião geral é de que a artista pintou apenas flores e paisagens.

“Queremos argumentar que Geórgia O’Keeffe criou um corpo de trabalho abstrato fantasticamente radical, e que estava a frente da maioria de conceitos de vanguarda da época,”disse a curadora do museu.  

Em 1916, sem O’Keeffe saber, uma amiga da artista mandou seus desenhos em carvão, ao então famoso fotógrafo Alfred Stieglitz, que tinha uma galeria de arte em Nova York. Ele gostou tanto de seu trabalho que fez uma exposição exclusiva para ela e tornando assim O’Keeffe famosa.  Na exposição tem algumas das fotos que em 1921 Stieglitz tirou de O’Keeffe.

Sem dúvida, de que O’Keeffe foi uma vanguardista em muitos aspectos. Suas abstrações mostram uma vitalidade e audácia inédita nesse período. O uso das cores e as formas abstratas não viriam à tona até mais tarde com Barnett Newman e Mark Rothko, os grandes mestres do expressionismo abstrato.

Georgia O’Keeffe: Abstraction vai até dia 17 de janeiro de 2010.

 Uma faladíssima exposição do quadro mais famoso de Johannes Vermeer está no Metropolitan Museum of Art (MET). Vermeer’s Masterpiece: The Milkmaid é o nome da mostra. Dizem ser essa tela a obra prima da curta carreira de Vermeer que morreu aos 43 anos em 1675 na cidade de Delft, na Holanda. Na realidade, ele só pintou 36 quadros enquanto vivo.

A razão da mostra é para celebrar os 400 anos da chegada do holandês Henry Hudson à ilha de Mannahata em 1609. O MET possui cinco das telas de Vermeer e elas estão presentes nessa exibição.

Quando essa pintura foi feita, em 1657, milkmaids tinham a reputação de serem ‘sexualmente disponíveis,’ e o quadro realça essa intenção com vários símbolos. Por exemplo, no rodapé do lado direito num dos azulejos, vê-se claramente o sugestivo desenho de um cupido.      

“O que temos aqui é uma empregada que é tratada de forma digna e heróica”, diz Walter Liedtke, curador do MET de pinturas européias, que organizou esta mostra, “e essa tela evoca uma domesticidade quieta e obediente.”  

Vermeer não teve uma formação acadêmica e aprendeu a pintar observando as obras dos grandes mestres.  Liedtke define essa obra como “seu primeiro trabalho maduro”. A Milkmaid feita em 1657-58, mede somente 45 por 41 cm e mostra as características de luz e sombra que tornou Vermeer tão conhecido. Vermeer tinha um jeito especial de criar uma atmosfera de luz e sombra, e enche esta pintura com o brilho da luz vindo de uma janela (note que o vidro da janela está quebrado). Essa tela revela também a perícia técnica do jovem artista que na época estava apenas com 25 anos de idade.

Suas obras tendem a “hipnotizar o espectador, independentemente do que eles sabem sobre o assunto”, diz o curador da mostra. Existe uma relação semi- voyerista entre espectadores e esta jovem mulher, e a composição triangular da figura mostra uma sofisticação artística por parte do pintor.

Visto de um ângulo baixo em toda a sala, como se por um observador oculto, a milkmaid de Vermeer é um trabalho fascinante- uma heroína perdida em um sonho. O avental azul sob sua saia vermelha, o leite brilhante derramando de suas mãos, a luz sutil da janela ao lado dela criando uma atmosfera de sensualidade que de certa forma entra em discordância com a banalidade da cena. Afinal, ela é apenas uma ajudante doméstica preparando a refeição matinal.

Nessa fase de quanto maior melhor – é bom ver uma exposição mais modesta, e onde a qualidade foi mais importante do que a quantidade. Como eles dizem por aqui – refreshing (refrescante)! Mas se você quiser ver mais Vermeers vá até o Frick Collection pertinho do MET, pois eles têm mais três telas do artista.

Até dia 29 de novembro.