Se você é realmente um amante de arte, não pode deixar de ir até o Chelsea para dar uma olhada em algumas de suas 500 e pouco galerias. Outra coisa, preste atenção nos espaços lindos que foram criados para alojar essas galerias. Estruturas que eram usadas como armazéns, agora abrigam esses ambientes maravilhosos. É quase que inacreditável de pensar que o Chelsea há 30 aos atrás era um local muito perigoso.

Outro dia, fui até a galeria David Zwirner , 525 West 19th Street. A exibição chamada 6 Works, 6 Rooms, é exatamente como o título divulga – seis trabalhos em seis salas. Os artistas conceituais dos anos 60 e 70 são: Dan Flavin, On Kawara, Sol LeWitt, John McCracken, Fred Sandback, e Richard Serra. Essa exibição mostra onde os conceituais abandonaram a representação realista, reduzindo os componentes a formas básicas. A intenção é de interrogar e incluir o observador no espaço, e ao mesmo tempo revelar o processo de construção da obra.

Não muito longe da galeria na 19^th Street, a Andrea Rosen Gallery, 525 West 24th Street, está com uma mostra de desenhos do americano John Currin — Works on Paper: A Fifteen Year Survey of Women. Seu trabalho constitui basicamente de mulheres onde ele exagera as formas anatômicas, particularmente, os seios.

Currin diz que está interessado em analisar como a atenção do observador pode ser consumida pela matéria apresentada. Como não prestar atenção no material apresentado quando a assunto é tão explicito? No entanto a habilidade técnica do Currin é reconhecida por todos sem hesitação.

“Nós intencionalmente escolhemos o período entre 1992 e 2003 porque representa a parte mais ativa na prática de desenho do artista,” diz a curadora da galeria. “Não é por um acaso que depois que 2003 Currin só autorizou três trabalhos em papel; ao redor de 2001 começou a utilizar imagens digitais.”

6 Works, 6 Rooms irá até dia 14 de agosto e a de John Currin até dia 21 de agosto.

Um novo prédio da renomada faculdade The Cooper Union está em sua fase final. Se você estiver por volta da East Village  ou do badalado St. Mark´s Square o prédio fica ali perto na 3rd Avenue com a 8th Street. Projeto de Thom Mayne da firma de Los Angeles Morphosis Architects,  o edifício combina as escolas de arte, arquitetura e engenharia. Que noção nova essa de combinar essas três disciplinas! Já estava na hora de começarmos a trazer um pouco de arte em tecnologia aqui nesse país. Muito diferente do Brasil, os americanos vêem arquitetura como uma disciplina científica e são poucos os que incorporam uma visão mais ampla e artística à profissão.

De acordo com o critico do New York Times, Nicolai Ouroussoff, a estrutura não é um edifício perfeito, “mas é o tipo de trabalho sério que nós não vemos suficientemente em Nova Iorque: uma declaração arquitetônica arrojada de um autêntico valor cívico.” E ele continua – “esse é um projeto que poderemos nos sentir orgulhosos.”

A frente do edifício é feita de uma malha de alumínio e no meio tem um grande corte vertical, como se a fachada tivesse sido rasgada. Não pude entrar para ver o espaço interior, pois ainda não está aberto ao público, mas os críticos estão dizendo que está muito bem concebido. Para estimular a comunicação entre os alunos, professores e os visitantes, os arquitetos desenharam um elevador que pára em andares alternados forçando o pessoal a andar de escadas. Bom não somente para uma maior interação, mas também para a manter a forma física não? Conceito interessante mas será que funcionará?

Como já disse antes, uma das  grandes vantagens de Nova Iorque são os parques que a cidade oferece.  Sem dúvida que os visitantes não têm muito tempo para ficar visitando parques com exceção é claro do Central Park.  Mas se você for visitar o Flatiron Building ou se estiver perto da 23^rd Street com a 5^th Avenue, não deixe de ir ver o Madison Square Park. Lá tem uma lanchonete chamada  Shake Shack (do mesmo dono do restaurante do MoMA) para comer um hambúrguer que os peritos dizem ser um dos melhores da área. E também o parque é muito gostoso para dar uma sentada e ver o mundo passar.

E se você for antes do dia 15 de agosto de uma olhada na instalação da artista Jessica Stockholder  chamado “Flooded Chambers Maid” do outro lado do parque perto da 22^nd Street. A Jessica nasceu em Seattle, WA e atualmente mora em New Haven em Connecticut onde dá aula na Yale University. Ela usa muitos objetos do dia a dia com cores vibrantes e texturas fortes saindo do convencional, e em suas instalações ela usa metal, plástico, pedaços de móveis, carros, e às vezes até comida.

É claro que em questão de usar comida na obra de arte, não tem ninguém que faça isso melhor do que o sensacional artista plástico paulistano Vik Muniz. Mas em todo caso, acho que vale a pena dar uma checada na Jessica.

E enquanto estiver por lá, no outro lado da rua, tem umas margaridas de plástico enormes que são uma graça! Lindas e abastecidas por energia solar, você pode recarregar seu celular, ou laptop nas flores descansando um pouco e tomando um solzinho.

As flores solares ficarão a disposição de todos até dia 2 de agosto.

O artista chinês Song Dong conjuntamente com sua mãe, está apresentando uma exibição interessantíssima no MoMA. Eu detesto essa palavra – interessante – pois é o tipo da palavra que não diz nada. Mas para esse caso, é realmente o que essa mostra é – interessante. Aliás, usei o superlativo: interessantíssima. O que mais dizer?

A mãe de Song, Zhao Xiangyuan, passou uma vida acumulando tudo que comprava ou ganhava, e não conseguia se desvincular desses objetos. Então o artista resolveu fazer um projeto em colaboração com Zhao, usando o conteúdo completo da casa onde guardou tudo por mais de cinqüenta anos. Essa obsessão de conservar tudo e de não jogar nada fora, está  baseado no conceito chinês de yong  qi   jin  wu, ou “desperdício não,”  o que era uma forma de sobreviver na época da revolução chinesa. Os materiais montados variam de potes e bacias a cobertores, frascos de vidro, e bonecas sem pernas, formando como que uma paisagem urbana que observadores podem navegar à sua volta.

Nessa época que vivemos onde tudo é descartável, a idéia de passar uma vida acumulando coisas, é quase que incompreensível.

Song em seu trabalho que varia desde vídeos, filmes até esculturas, tenta explorar noções de transitoriedade e impermanência. A exposição foi colocada no 2º. andar do museu ocupando o grande espaço central que foi tão criticado na abertura do MoMA há vários anos atrás. Na realidade, o local selecionado foi uma excelente escolha para esse projeto. A leitura do projeto pode ser feita de forma linear e temos uma visão ampla de todos os objetos sob vários pontos de vista – desde o 6º. andar.

O New Museum é situado no Bowery, uma das mais antigas avenidas na ilha de Manhattan. O Bowery foi até recentemente uma interseção geográfica e cultural muito importante, onde as gerações de artistas viveram, trabalharam, e contribuíram ao diálogo cultural da cidade. Esse novo museu é projeto da firma de arquitetura japonesa SANAA . O prédio na realidade são seis caixas retangulares empilhadas, mas não estão alinhadas uma com a outra. As superfícies do edifício são feitas de uma malha de alumínio realçando os volumes dos cubos e dando um movimento visual animado com a variação de luz durante o dia.  

O programa pedia para espaços flexíveis internos e abertos com galeria de alturas diferentes e isso teve que ser acomodado dentro de um terreno apertado de somente 21 metros de largura por 36 metros de fundo. Daí a razão dos retângulos não se encaixarem. O desnível dos retângulos permite luz e ar penetrarem na galeria sem ser um empecilho para as obras de arte.  

A irregularidade dos cubos criou um espaço interno interessante e conseqüentemente as galerias são flexíveis e permitem uma apresentação excelente para uma diversidade de tamanhos de objetos de arte. Por outro lado, a edificação é mais um produto da atual mentalidade pós-modernista , onde a preocupação está na superfície e desprovida de uma maior reflexão, como o impacto dessa estrutura em seu meio ambiente.  

As exposições que o New Museum apresenta em geral são bem arrojadas, e com a intenção de trazer um espírito inovador a seu público.

Você deve ter ido ao Central Park um desses dias não? Então você deve ter visto duas esculturas enormes de quase 6 metros de altura. Uma é cor de rosa, que lembra maria mole de festa de aniversário de criança, e a outra multicolorida. “The Ego and the Id,” como são chamadas, é de autoria do artista vienense Franz West. As esculturas foram patrocinadas por Public Art Fund, uma fundação que ajuda a divulgar trabalhos artísticos em lugares públicos.

As peças são feitas de alumínio e dão voltas formando curvas e criando banquinhos num convite para os pedestres se sentarem e assim interagirem diretamente com a arte. De acordo com West, o trabalho só é legitimado quando a audiência interage com a obra de arte.

O Ego e o Id ficarão por lá até março de 2010.

Francis Bacon é um daqueles artistas que ou você ama ou detesta. Com 130 trabalhos o  Metropolitan Museum of Art celebra o centenário de seu nascimento com a retrospectiva “Francis Bacon: A Centenary Retrospective.“

Por mais de 50 anos, Bacon trabalhou veementemente todos os dias — e está evidente nessa coleção. Um autodidata, ele expressou o satírico horrorizando seus contemporâneos, em suas obras com seu estilo alucinatório. Suas telas evocam um sentimento violento, ou mesmo opressivo onde o artista parece tentar resolver seus fantasmas internos por meio de suas pinturas. Sem dúvida, não deve ter sido fácil ser homossexual nas décadas de 1950 e 1960, e de certa forma ele mantém o estereótipo do homossexual problemático em relacionamentos repletos de drama e tumulto.  Bacon foi fortemente influenciado por Velásquez como em suas pinturas do papa Head VI (1949), e Picasso, Study for Croaching Nude(1952), obviamente retratos de seus amantes. Mesmo se você não gostar desse pintor vale a pena dar um pulinho até lá. As pinturas estão muito bem situadas e como sempre tem algo a mais para se ver por lá.

Pois é, enquanto você estiver por lá, veja a exposição do Afeganistão. “Afghanistan: Hidden Treasures from the National Museum, Kabul,” está simplesmente maravilhosa – uma oportunidade única de ver tantas peças preciosas juntas. A maioria dos objetos está sendo visto pela primeira vez nos Estados Unidos e datam de mais de 4000 anos atrás. Esses artefatos pertencem ao Museu Nacional de Afeganistão, Cabul, cujo lema é “Uma nação permanece viva enquanto sua cultura permanecer viva”.

Em 1978, quando os arqueólogos desenterraram túmulos nas planícies do Afeganistão, eles descobriram um tesouro extraordinário de mais de 22, 000 peças de ouro que haviam sido selados por mais de 2000 mil anos. Dentro de meses desta descoberta, o país entrou em guerra, e como por milagre depois de vários anos, o Afeganistão surpreendeu o mundo anunciando que os itens inestimáveis tinham sido localizados no cofre presidencial de banco de palácio em Cabul. Tinham sido salvados, junto com outras obras-primas do Museu Nacional, Cabul, e protegido por um grupo de heróis afegãs que ficaram conhecidos como “os possuidores das chaves.”

Essa exibição tem 228 artefatos extraordinários que atestam à importância da região como um cruzamento importante na antiga via comercial conhecida como a Rota da Seda, que ia desde a Ásia ao Mediterrâneo.  A mostra, que começou sua excursão dos EUA na Galeria Nacional da Arte em Washington, DC, explora a importância cultural dos tesouros e ilustra a história de sua descoberta, escavação, e o ato heróico de alguns afegãs.

E não se esqueça — o MET é um dos museus que você paga quanto quiser facilitando sua visita.

A exibição do Francis Bacon irá até o dia 16 de setembro e do Afeganistão até dia 20 de setembro.

Muitos são os museus para se visitar nessa cidade e o Whitney Museum of American Art é sem dúvida um dos mais importantes.  O Whitney é um museu contemporâneo, o que quer dizer que suas exibições são sempre mais arrojadas do que o Metropolitan ou mesmo o MoMA. Projetado pelo arquiteto húngaro Marcel Breuer o museu parece uma jóia na chique área da Madison Avenue.

Basicamente, em poucas palavras, a arte conceitual é um tipo de expressão artística onde a idéia prevalece sobre a forma. Um dos mais famosos artista conceitual foi of francês Marcel Duchamp. O americano Sol LeWitt, também foi um artista conceitual renomado, e a definiu como:

Em arte conceptual, a idéia ou conceito é o aspecto mais importante da obra. Quando um artista usa uma forma conceptual de arte, significa que todo o planejamento e decisões são tomadas antecipadamente, sendo a execução um assunto secundário. A ideia torna-se a máquina que origina a arte.

Atualmente a exibição do artista conceitual americano conceitual dos anos 60 Dan Graham – “Dan Graham: Beyond,” é uma excelente oportunidade para entender um pouco melhor esse tipo de arte cerebral.  Dan Graham nasceu em 1942, e seu trabalho abrange desde filmes, vídeos, instalações, até arquitetura. Dan fez parte do grupo de artistas conceituais e Minimalistas, incluindo Donald Judd, and Robert Smithson. Ele rejeitou as normas impostas do movimento moderno da época  e foi influenciado pela obra de Jean-Paul Sartre, Herbert Marcuse, Gregory Bateson, and Margaret Mead. Sua maior preocupação foi a de dar transparência a vida particular de cada um de nós e trazê-la ao nível público dentro de um contexto social — evidente em sua série de pavilhões espelhados. Seu trabalho possui um conteúdo psicológico bem marcante onde a “audiência trabalha como um superego,” ele diz. Numa entrevista para sua vernissage, Dan descreve; “Amo revistas porque são como canções pop,facilmente descartáveis, lidando somente com prazeres momentâneos.”   

O show de Dan Graham irá até dia 11 de outubro.

Estando ainda no Whitney dê uma olhada no vídeo Play Pause de Sadie Benning no primeiro andar que estará no museu até dia 20 de setembro.

A renovação do Alice Tully Hall no Lincoln Center que fica entre Columbus e Amsterdam Avenue e vai da 60^th até a 66^th Street no lado oeste da cidade, é o primeiro de uma série de melhorias que está programada para ser completada até o começo de 2011. O Lincoln Center foi planejado pelo arquiteto Wallace Harrison na década de 60 uma época de grande renovação urbana em Nova Iorque sob a administração do polêmico Robert Moses.

Alice Tully foi projetado pela firma dos famosos arquitetos Diller Scofidio + Renfro (DS+F) que também é responsável pela revitalização do parque High Line em Chelsea que foi publicado no sábado passado nesse blog. O antigo Alice Tully Hall foi projetado pelo arquiteto Pietro Belluschi e inaugurado em 1969 onde está a afamada escola de música chamada Julliard School.

DS+R num gesto arrojado cortou o canto do prédio antigo para revelar seu interior aumentando o lobby de 700 pés quadrados (aproximadamente 67 metros quadrados) a mais de 6000 pés quadrados (557 metros quadrados) com um lugar bastante agradável para tomar café e está aberto o dia todo.

Uma série de degraus foi colocado na entrada que possibilita a oportunidade para pedestres sentarem e aproveitarem a vista desse lugar e até para ensaios dos estudantes da escola de música.

Por outro lado, alguns críticos de música que com freqüência vão aos concertos oferecidos pelo Alice Tully Hall estão muito decepcionados com a qualidade do som onde a acústica é péssima, dizem. Por outro lado, esses mesmos críticos concordam que a escolha de materiais de construção para o espaço foi uma excelente escolha, tornando o lugar visualmente mais agradável.  

Estou ansiosa para ver como essa dupla de arquitetos, ou melhor, trio de arquitetos, irá resolver o restante desse tão antecipado e enorme projeto. Dê um pulinho até para dar uma olhada, ou melhor, ouvir um concerto e daí me conte.

Plot/09: This World & Nearer Ones é o nome de uma exibição na Governors Island, uma ilhazinha que fica menos de 1 km de Nova Iorque na ponta sul de Manhattan.  “This World & Nearer Ones” é o titulo de um livro de Brian Wilson Aldiss escrito em 1979. Sem dúvida isso não significa nada para nós, mas explica a razão do estranho titulo da mostra.

Os 19 artistas apresentando foram patrocinados por Creative Time , uma organização fundada em 1974 e encarregada de produzir e apresentar artistas experimentando com novos meios e formas de expressão. Esses trabalhos foram feitos especialmente para Governors Island.

Por quase dois séculos, Governors Island foi uma base militar e acesso ao publico foi proibido em 1996. Em 2003, foi transferida ao Estado de Nova Iorque pelo valor de $1. (um dólar) e daí aberta ao público, na condição que fosse usada para benefício de todos. Fato curioso: o famoso encontro em 1988 entre o presidente americano Ronald Reagan e o líder soviético Mikhail Gorbachev foi nessa ilha.

Com uma combinação de instalações, e vídeos, cinco casas foram abertas ao público introduzindo uma arte que questiona crenças e o futuro – e tudo isso pode ser contemplado andando de bicicleta na ilha de 172 acres (69 hectares). Algumas instalações são melhores do que outras (como em geral), mas sem dúvida se você tiver um tempinho extra não perca essa oportunidade de visitar a ilha que com essa  exposição abriu muitas de suas edificações que em geral se mantém fechadas.

Vários dos trabalhos apresentados negociam explicitamente com o passado militar da ilha, examinando seu papel histórico. Uma instalação chamada “Large Dark Wind Chime (Tritone Westy)” do artista Klaus Weber, é meu preferido (veja foto acima). O objeto está pendurado numa árvore e tem 4,3 metros de altura e foi feito de alumínio. De acordo com informação dada sobre essa instalação, os sinos (esqueci do nome em português desses sininhos que tocam quando o vento bate!) tocam em três tons dando um efeito dissonante e melancólico. Esse som era considerado perigoso na Idade Média, pois acreditavam que despertasse o demônio e provocassem desejos sexuais nos ouvintes. Esse trabalho está situado entre os edifícios Vitorianos, e canhões decorativos do local lembrando-nos de uma era de incerteza, de guerras globais, recessão econômica e das batalhas internas entre o bom e o mal.

A ilha com sua proibição de automóveis, uma abundante vegetação, e seu isolamento da cidade, lhe dão uma aura especial. Um lugar excelente se você estiver com crianças, para andar de bicicletas, fazer um picnic e sair um pouco dessa agitação de Nova Iorque. E tudo isso com uma excelente vista da estátua da Liberdade. E não é difícil chegar lá – é só pegar o barco que sai na área do distrito financeiro no Battery Maritime Building.

A ilha está aberta ao púbico às 6a. feiras das 11 até as 16 horas e sábado e domingo das 12 até as 16 horas.