Para celebrar seu cinqüentão a curadora de arquitetura, Nancy Spector, decidiu esvaziar o museu. É isso mesmo — o Guggenheim está totalmente desocupado.  O grande vão central da rotunda rodeado pela rampa, um espaço que foi sempre tão cobiçado por muitos artistas para apresentarem grandes instalações, está esquisitamente vazio.

Para o 50º. aniversário o  museu convidou mais de 200 arquitetos e artistas do mundo inteiro para apresentarem uma proposta para usarem sua fantasia e imaginar um projeto para o museu nesse vácuo. Daí  o titulo da exposição – Contemplating the Void ( Contemplando o Vazio).

O Brasil está representado pelos irmãos Fernando e Humberto Campana com uma colagem interessante e meio estranha. Colocaram umas configurações sem forma explicita no meio do vazio do museu. Como sempre algumas propostas são melhores do que outra como a do Group8 de Genebra que fizeram o negativo da forma vazia em chocolate e o chamaram de Tasting the Void (Experimentando o Vazio).

A exibição se encerra no dia 28 de abril.

Em geral sempre tem muita coisa boa para se ver no MoMA, mas são raras as oportunidades de termos um brasileiro mostrando seu trabalho nesse espaço tão cobiçado. Pois agora temos o carioca Ernesto Neto com uma de suas instalações de formas orgânicas com especiarias aromáticas despertando nossos sentidos.

Ernesto desde o final da década de 90 procura em seu trabalho fazer a referência entre o corpo humano e espaços arquitetônicos criando peças de tecido transparente e flexível com estruturas que podem ser penetradas pelo público, como é o caso de Navedenga. O nome dessa composição se refere às naves que empregavam as notórias viagens em busca de especiarias, e na qual há também explícita referência ao corpo humano.

A peça tem um forte caráter sensual reforçando a característica imagem com a qual a maioria dos americanos nos reconhecem.

A instalação terminará no dia 5 de abril.

Até dia 25 de abril você poderá ver o menor carro do mundo no Cooper Hewitt, National Design Museum (veja blog de 11/08/2009) E não é de brinquedo – um carrinho de verdade! E dizem que cabem cinco pessoas no Tata Nano. Na foto acima para se ter uma idéia do tamanho dele — 3 metros de comprimento por 1,5 metro de largura. Foi feito na Índia e custa somente $2.500 dólares, ou por volta de R$ 5.000. Incrível, não?

Além do carrinho também poderá ver uma exibição de design americano bem interessante e o Central Park cheio de neve do outro lado da rua do museu. Gelado, mas bonito! Olhe o detalhe do corredor de calção naquele frio horrível. 

Se vc. estiver por aqui não perca o lindo coração no Times Square. Não ficará por lá por muito tempo, pois assim que o tempo esquentar um pouquinho vai virar poça d’água.

Para celebrar o Valentine’s Day que foi ontem dia 14, os arquitetos Robert and Granger Moorhead projetaram esse enorme coração feito de bloco de gelo no centro do Times Square.

No final do dia quando começa a escurecer, com o efeito das iluminação de fundo do local refletido no gelo, a escultura fica ainda mais bonita.

São aproximadamente 61 trabalhos nessa primeiríssima exibição dos desenhos de Agnolo Bronzino (1503-1572), o pintor italiano florentino.

Os desenhos quase que sem exceção são de uma beleza rara e espetacular qualidade, revelando sem dúvida a virtuosidade técnica de Bronzino. Como os trabalhos estão colocados em ordem cronológica, dá para se ver nitidamente sua evolução artística.  E não só ele era um mestre em sua habilidade como desenhista, mas também um virtuoso em suas composições mostrando uma capacidade de criar arranjos de grande complexidade e sutileza artística. Deu para entender?

Bronzino foi um dos artistas mais importantes do século 16, e uma figura principal entre pintores do Maneirismo em Florença. Foi pintor, desenhista, professor, e poeta e ficou famoso como artista do Duque Cosimo I de’ Medici e sua esposa, a Duquesa Eleonora di Toledo – tudo isso muito bem explicado através da exposição.  

The Drawings of Bronzino  (Os desenhos de Bronzino) até dia 18 de abril no Metropolitan Museum of Art (MET).

Christopher e Suzanne Sharp, o par responsável por essa exibição, contratou 15 artistas contemporâneos para trazer uma nova perspectiva nessa arte esquecida: a tapeçaria. E dentro desses 15 artistas muito famosos como Kara Walker, Fred Tomaselli e Peter Blake têm nossa brasileiríssima, Beatriz Milhares.

Sempre gostei muito de tapeçaria medieval e não estava muito animada quando fui ver essa mostra. Fui mais para dar uma olhada no trabalho de Beatriz e fiquei surpresa em como a tradução do trabalho artístico nessa forma ficou muito bonito.

A tapeçaria na idade medieval era um símbolo de prestígio e a realeza viajava ao redor do país com seus tapetes e os penduravam onde estivessem. Era também uma forma de aquecer os enormes salões geladíssimos no inverno.  

Christopher e Suzanne acharam artesões na China que estavam dispostos a dedicar seu tempo inteiramente nesse projeto, que levou mais de três anos para completar. Foram feitos todos a mão revelando a grande aptidão manual de seus artesões. Os temas são bastante variados – floral como o de Beatriz, ou o tema político característico do trabalho de Kara. (Se quiser saber mais sobre Kara dê uma olhada no meu blog de 08/10/09)

A exposição chamada Demons, Yarns & Tales: Tapestries by Contemporary Artists (Demônios, Fios e Contos: Tapeçarias por Artistas Contemporâneos) está na James Cohan Gallery em Chelsea até dia 13 de fevereiro.

É o nome do novo restaurante no Museum of Arts and Design, que desde sua abertura em setembro de 2008 é centro de debates.(Dê uma olhada no blog do dia 18/08/2009 onde entro em mais detalhes sobre essa polêmica.)

Fui numa hora de almoço em plena quarta feira e achei o lugar muito chique com um toque de sofisticação sem ser pomposo. Não me deixaram tirar fotos ou filmar o restaurante, mas você pode dar uma olhadinha no site para ter uma idéia do lugar — Robert.

O ponto culminante do restaurante são os móveis esculturais projetados por Philip Michael Wolfson. O mobiliário projetado para o restaurante inclui uma variedade de tamanho de mesas e de cadeiras que dão o toque especial revelando a influência de Zaha Hadid, para quem Philip Wolfson trabalhou por muitos anos.

Revestido em alumínio de pó, o acabamento espelhado de várias cadeiras reflete o néon cor-de-rosa dos retângulos de acrílico e metal pendurados do teto acima –uma instalação projetada por Johanna Grawunder criando uma ilusão ótica das formas brilhantes flutuando na superfícies embaixo.

Tem outra: o restaurante está no 9º. andar do museu e tem uma vista esplêndida do Central Park e do Columbus Circle.

E é claro… o mais importante — a comida! Se você for vegetariano como eu, então vá para admirar a decoração e a vista, pois os não-carnívoros não têem muita opção.

O Frick Collection, na 5ª. avenida na frente do Central Park é um de meus museus favoritos. Interessante que ainda não te contei nada sobre esse preferido. As fotos acima – o pátio interno e a fachada de entrada.

O Frick foi a residência do magnata de aço Henry Argila Frick, e projetado por Thomas Hastings (o mesmo arquiteto que fez a biblioteca de Nova York na rua 42) e construído entre 1913-1914. Após a morte da esposa de Henry Frick em 1931, a casa passou sob várias reformas feitas pelo arquiteto John Russel Pope. A mansão foi desenhada no estilo Beaux-Arts típico da época.

O Frick é um museu de arte pequeno, mas contém uma coleção de alta qualidade de pinturas e um mobiliário fenomenal. Os ambientes são usados como galerias dentro da mansão residencial anteriormente ocupada. As pinturas em muitas galerias ainda são organizadas de acordo com o projeto original de Henry Frick. Ainda dá para se sentir a presença dos antigos donos circulando pelas galerias.

O acervo que o Frick contém é fabuloso, e revela à grande sensibilidade de seu dono que comprou quase todas as peças em exibição.

O mais incrível desse museu é sua sala de música. Uma sala oval com excelente acústica e onde durante determinada época do ano, traz excelentes músicos do mundo inteiro. Domingo passado tive a oportunidade de ouvir o pianista russo, Rustem Hayroudinoff, que atualmente dá aulas de piano na renomada Royal Academy of Music em Londres.

Os concertos desse ano estão marcados para os dias:

07 de fevereiro:
Florian Boesch
Roger Vignoles

21 de fevereiro:
Tapestry

07 de março:
Jean-Guihen Queyras
Alexandre Tharaud

28 de março:
Voces Intimae

11 de abril:
Henschel Quartet

Todos os concertos começam às 17 horas e reservas com pelo menos duas semanas de antecedência é altamente recomendável.

Estava visitando as galerias do Chelsea e tive que dar uma olhada no artista com o sobrenome de meu adorado cachorrinho de infância — Peri. Imagine só!

 O video está meio escuro e não dá para ver que a temática das telas é de um geométrico abstrato — sem dúvida se trata de um artista altamente influenciado pelo modernismo. A escultura em aço da foto acima, é chamada Knot Woman, ou a Mulher em Nó. 

Questiono essa arte inspirada em estilos passados. Qual é a intenção dessa expressão artística? De nos mostar que ele (Peter Peri) é capaz de reinterpretar o passado? Por outro lado, acredito de que a arte deva manifestar o momento atual onde vivemos. O que vcs acham?

Até dia 20 de fevereiro na Bortolami em Chelsea.

Em tributo ao incêndio em outubro do ano passado no Rio que destruiu quase todo o acervo do artista plástico Hélio Oiticica (1937-1980), a galeria Lelong que é sua representante nos EUA, está com uma mostra de seus trabalhos entre 1954 e 1958. Período importante na carreira do artista.

Em 1953, Oiticica começou a estudar pintura com Ivan Serpa, após tomar contato com a obra de Paul Klee, Alexander Calder, Piet Mondrian e Pablo Picasso durante a segunda Bienal de Arte Moderna de São Paulo. Em 1954, entrou para o Grupo Frente e junto fez a sua primeira exposição no Museu de Arte Moderna. Nessa época, Oiticica começou a conviver com artistas e críticos, como Lygia Clark, Ferreira Gullar e Mário Pedrosa. Sua obra desse período, entre 1955 e 1957, são pinturas geométricas sob guache e cartão, que resultou em 27 trabalhos nessa técnica, intitulados Secos, que foram expostos no Rio de Janeiro, na Exposição Nacional de Arte Concreta.

Os desenhos na exposição são geométricos e pode-se inclusive sentir Hélio tentando abstrair a essência dos objetos no espaço desenhado. Acredito essa fase ter sido um acesso para suas instalações ambientais que viriam a seguir – Parangolé e a Tropicália que inspirou e deu nome ao movimento cultural brasileiro que revolucionou a música, o cinema, o design, a moda e as artes do país nos anos 70.  

Em setembro de 1971, logo após mudar-se para Nova York, Hélio declarou aos jornais cariocas:

“Se há gente interessada em minha obra anterior, melhor, mas não vou expô-la ou ficar repetindo ad infinitum as mesmas coisas; não estou aqui para fazer retrospectivas, como um artista acabado; estou no início de algo maior; quem não entender que se dane; procurem-se informar melhor e respeitar idéias e trabalho feito.”

E foi sempre assim com Hélio. Muito na dele, fez seu trabalho bem feito e deixou um legado incrível após uma morte precoce e cruel.

Hélio Oiticica: Drawings, 1954-58 irá até dia 6 de fevereiro na Galerie Lelong.